“La realidad solo se revela cuando es iluminada por un rayo de poesía. En torno a nosotros está totalmente adormecida”.

-Georges Braque

Hay ideas que no llegan como una revelación, sino como una especie de eco que vuelve cada cierto tiempo, especialmente cuando el mundo se siente más confuso de lo normal. La de Hannah Arendt sobre la banalidad del mal es una de ellas, no porque el mal sea pequeño o insignificante, sino porque puede instalarse en lo cotidiano, en lo aparentemente inofensivo, en ese terreno gris donde las decisiones dejan de ser conscientes y pasan a ser automáticas. Lo inquietante de su planteamiento no es la existencia del mal en sí (eso siempre lo hemos sabido) sino la posibilidad de que no necesite monstruos para manifestarse, sino simplemente personas que dejan de pensar, que renuncian a cuestionar lo que hacen o lo que les piden hacer, que se refugian en la comodidad de cumplir con su rol sin detenerse a mirar las consecuencias.

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Quizás por eso su idea incomoda tanto, porque nos quita la distancia. Nos obliga a aceptar que la línea entre lo correcto y lo incorrecto no siempre está delimitada por grandes gestos o decisiones heroicas, sino por pequeños actos cotidianos en los que elegimos (o dejamos de elegir) con plena conciencia. La banalidad del mal no es escandalosa, no hace ruido, no se presenta como algo extraordinario; al contrario, se camufla en la rutina, en la burocracia, en el lenguaje vacío de responsabilidad. Es ese “yo solo hago mi trabajo” que, repetido suficientes veces, termina justificando lo injustificable.

Pero si esa es una cara de la historia, hay otra que no siempre nombramos, aunque la vivimos constantemente. Es la capacidad que tenemos, como individuos y como colectivo, de reconocer lo que vale la pena y reaccionar ante ello. No necesariamente desde la confrontación directa, sino desde algo más profundo y más difícil de ignorar: la experiencia de lo humano en su mejor versión. Porque hay momentos en los que, casi sin darnos cuenta, salimos de ese piloto automático y volvemos a mirar con atención, con admiración incluso, lo que somos capaces de hacer juntos.

A veces el mundo está lleno de ruido, de gente mala saliéndose con la suya, de antivalores disfrazados de “fuerza” y de valores presentados como “debilidad”. Y de pronto, sin que lo estuviéramos esperando, algo le sale mal a esos “fuertes”, a los que desprecian la humanidad, a los que miran con cinismo una sonrisa, a los que creen que dar de comer al hambriento o curar al enfermo es cosa de ingenuos mientras se dan golpes de pecho en templos chapados en oro. En esos momentos, casi imperceptiblemente, algo cambia. La gente buena se cansa. Se rebela. Se harta de ser pisoteada, de sostener estructuras injustas solo porque “siempre se ha hecho así”, y empieza (a veces en silencio, a veces con fuerza) a actuar de otra manera.

Pienso, por ejemplo, en lo que ocurre cuando vemos competir a atletas como Eileen Gu o Alysa Liu. No es simplemente una competencia, ni siquiera un espectáculo en el sentido más superficial de la palabra. Hay algo en la precisión de sus movimientos, en la forma en que el riesgo se convierte en elegancia, en la disciplina llevada al límite, que nos obliga a detenernos. Durante esos minutos, el ruido desaparece. No importa de dónde vienen, qué idioma hablan o qué narrativa las rodea; lo que vemos es el resultado de años de esfuerzo condensados en un instante que, de alguna manera, nos representa a todos. Es difícil permanecer indiferente ante algo así, porque ahí no hay banalidad posible: hay intención, hay presencia, hay humanidad en estado puro.

Algo parecido ocurre cuando escuchamos a los astronautas de Artemis II hablar de su experiencia y de lo que significa mirar la Tierra desde fuera. Uno podría esperar discursos grandilocuentes, relatos de conquista o superioridad tecnológica, pero lo que suele aparecer es justo lo contrario: una especie de humildad que desarma. Hablan de fragilidad, de conexión, de la sensación casi abrumadora de entender que todo lo que conocemos (nuestras diferencias, nuestras tensiones, nuestras historias) ocurre en un punto diminuto suspendido en el vacío. Esa perspectiva no simplifica el mundo, pero sí lo reordena. Y en ese reordenamiento hay una toma de conciencia que difícilmente puede convivir con la indiferencia.

Tal vez ahí esté la clave de ese “contrario” que no siempre sabemos nombrar. No se trata únicamente de pensar más, ni de informarnos mejor, ni siquiera de tomar posturas firmes frente a todo. Se trata de mantener viva la capacidad de reconocer lo valioso cuando lo tenemos enfrente, de no anestesiarnos frente a lo que nos recuerda que somos algo más que engranajes dentro de un sistema. Porque cuando eso ocurre (cuando realmente vemos, cuando realmente sentimos) se vuelve mucho más difícil caer en la lógica de la banalidad, en esa forma de actuar sin hacerse preguntas, adormecidos por algoritmos y satisfacción inmediata en cualquiera de sus formas o sabores.

En el fondo, lo que está en juego no es solo evitar el mal en su forma más evidente, sino resistir esa tendencia más sutil a desconectarnos, a dejar de involucrarnos, a vivir en automático. Y quizás por eso, en un momento en el que todo parece empujarnos hacia la velocidad, la opinión inmediata y la simplificación, hay algo profundamente rebelde en detenerse a apreciar lo que nos eleva como conjunto. No como escapismo, sino como recordatorio.

Hoy vi una deconstruccion visual de Space Oddity, ese tema increible de David Bowie, y me puse a pensar en esto. Me cayó todo de golpe. Pensé que cuando entendemos que lo bueno (el arte, el esfuerzo, la exploración, los logros compartidos) no es accesorio sino esencial, empezamos a actuar de otra manera. Y en ese cambio, que parece pequeño pero no lo es, hay una forma silenciosa ya la vez poderosa de oponerse a la banalidad del mal. No desde el ruido, sino desde la conciencia de que el mundo que habitamos juntos vale la pena ser pensado, cuidado y, sobre todo, construido con intención.

(La cita del inicio, de Georges Braque, tiene su propia historia. La vi en una revista de arquitectura, iniciando mi carrera de estudiante, en la publicidad de un edificio de un grupo de arquitectos donde estaba uno de mis mas queridos amigos, de un grupo muy pequeño de amigos que primero fueron mis profesores y luego se convirtieron en mis amigos. Me enseñaron en gran parte a apreciar la belleza, el arte, a trabajar por lo que uno sueña y quiere. A tener sensibilidad y a expresarla sin miedo. La semana pasada el que había escrito esa frase en la revista, Javier Caricatto, murió de una forma inesperada y aun me estoy despidiendo de el, porque sin pensarlo escribí esto, y al final, recordé la frase y la puse al inicio. Lo que siempre me va a acompañar es su espíritu, y el de esos otros amigos que me abrieron la puerta a mucho de lo que sueño hoy).

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Esta semana era justo y necesario hablar de cultura.
No como una pieza de museo que se conserva intacta, sino como lo que realmente es: movimiento, mezcla, cruce. La cultura no se protege aislándola; crece cuando se encuentra con otras, cuando se transforma, cuando se vuelve más rica y más compleja.

A partir de ahí, aproveché para escribir sobre el medio tiempo del Super Bowl. No porque esté de moda hablar de eso, (llevo más de una década haciéndolo por escrito), sino porque sigue siendo uno de esos momentos donde la cultura pop, el arte y la conversación pública se cruzan de forma muy clara. Antes lo hacía en espacios menos digitales, pero igual de llenos de creatividad; hoy lo seguimos conversando aquí.

Y como todos los años, cierro compartiéndoles mis comerciales favoritos del domingo pasado. Es la trifecta que les ofrece este su newsletter de confianza: cultura pop, creatividad y marketing.

La cultura solo crece cuando se mezcla

En los últimos meses he visto a mucha gente expresar preocupación por cómo la diversidad está “cambiando” la cultura. Como si lo que somos pudiera diluirse, perderse o desaparecer al entrar en contacto con otros. Cada vez que leo algo así me queda la misma sensación: estamos hablando de la cultura como si fuera un objeto frágil, encerrado en una vitrina, que se rompe con solo tocarlo. Como si alguna vez hubiera existido en estado puro.

Pero la cultura no funciona así.

La cultura no es una herencia intacta que se conserva.
Es una suma de cruces, viajes, préstamos, accidentes y adaptaciones.
Es movimiento.

La gastronomía lo deja claro de inmediato, sin ideología ni discursos grandilocuentes.

La tempura japonesa tiene su origen en técnicas introducidas por portugueses vía Filipinas.
La cocina italiana, tan “tradicional”, no tendría tomates sin el intercambio con América, así como el chocolate suizo, que no existiría sin el cacao americano.
Las hallacas venezolanas son, literalmente, un plato mestizo: indígena, europeo y africano al mismo tiempo.
Y uno de los platos más comunes cuando vives en Estados Unidos, después de la hamburguesa (que tampoco es local, local, lo que se dice local), son los tacos: adaptados a ingredientes locales, a ritmos locales, a gustos locales.

Eso no es una traición cultural.
Eso es cultura.

Lo mismo ocurre fuera de la cocina.

La televisión en color, una de las grandes ventanas culturales del siglo XX, no existiría como la conocemos sin Guillermo González Camarena, un ingeniero mexicano que desarrolló uno de los sistemas pioneros de televisión a color (yo lo descubrí por curiosidad, porque cuando iba a la oficina en México de una transnacional, me llamó la atención el nombre de mi tocayo, y bueno, Google es tu amigo). Millones de personas en todo el mundo crecieron viendo noticias, deportes, películas y series gracias a una innovación que no nació donde muchos creen que “se inventa todo”.

En el arte pasa algo similar. Pablo Picasso nació en España, vivió gran parte de su vida en Francia, hablaba español y francés, estaba orgulloso de sus raíces, y su obra es inseparable de esa mezcla. No pertenece a una sola tradición ni a una sola lengua: pertenece al cruce.

Y la ópera, ese símbolo casi intocable de la “alta cultura”, nació en Italia, se expandió por Europa y el mundo, y durante siglos mantuvo el italiano como lengua central. Un arte profundamente viajero, que se transformó con cada ciudad, cada público y cada época que lo adoptó.

Comida, tecnología, arte, entretenimiento.
Todo apunta en la misma dirección: la cultura no surge en aislamiento.

La idea de una cultura “pura” es tentadora en momentos de miedo o incertidumbre, pero es históricamente falsa. No existe. Nunca existió. Y casi siempre se usa más para excluir que para comprender.

Nadie que defienda la pureza cultural está dispuesto a renunciar al café, al cacao, al tomate, a la televisión, a la música o al arte que ama. Elegimos qué mezclas celebramos y cuáles nos incomodan. Eso no es defensa cultural: es nostalgia selectiva.

La cultura no se contamina cuando se mezcla.
Se empobrece cuando deja de hacerlo.

Defender la cultura no es levantar muros ni congelar costumbres. Es entender de dónde vienen sus ingredientes. Es aceptar que lo que somos es el resultado de muchas rutas cruzándose.

La identidad no es una frontera.
Es un mapa lleno de caminos.

Esta idea de mezcla y diálogo cultural no se queda en teoría: aparece también en los eventos de nuestra vida cotidiana, en los fenómenos que comentamos alrededor de una mesa, en lo que nos llama la atención en la televisión o en la música que todos discutimos el lunes siguiente.
Un ejemplo reciente es lo que pasó este fin de semana con el Super Bowl y su espectáculo de medio tiempo, que nos da otra oportunidad para pensar en cómo interactúan cultura, diversidad y pertenencia.

Acerca del Super Bowl y por qué debí tirar más fotos.

Este fin de semana fue el Super Bowl, y como pasa todos los años, no se habló solo de fútbol americano. Se habló (y mucho) del espectáculo.

Del show de Bad Bunny, que fue en español, uno de los idiomas más hablados en Estados Unidos. De los invitados especiales, como Lady Gaga, cantando una versión de un tema de Bruno Mars en inglés y a ritmo de salsa. Ni hablar de Ricky Martin, cantando uno de los temas de Benito Martinez Ocasio, pero con un arreglo acorde a su voz.

También se habló, inevitablemente, de quienes dijeron que “no era correcto”.
Que el Super Bowl es un espectáculo norteamericano.
Que eso no debía estar ahí.

Pero el Super Bowl hace tiempo dejó de ser solo un partido.
Sí, es la final del deporte más popular del país, el momento que corona a su campeón. Pero también es un evento cultural global. Un escenario que se adereza con los comerciales más esperados del año (los mismos que antes veíamos en la oficina como ejercicio creativo justo el lunes siguiente) y que dejó piezas históricas como el famoso anuncio de Apple de 1984 presentando la Macintosh.

Y además está el medio tiempo.
Ese espacio que se transformó en uno de los espectáculos más vistos del mundo desde que Michael Jackson cambió para siempre la vara de lo que era posible ahí. Desde entonces, cada año la meta es la misma: más arte, más riesgo, más conversación.

El arte, cuando es honesto, incomoda a algunos y despierta curiosidad en otros.
A los curiosos, nos invita a investigar.

Me pasó el año pasado con el show de Kendrick Lamar. No entendí todo de inmediato. Pero sentí que había algo ahí, y quise saber más.
Eso mismo pasó este año con Bad Bunny.

No fue solo un concierto. Fue una declaración. Una forma de mostrar la cultura de Puerto Rico, que es parte de Estados Unidos, aunque muchas veces se prefiera olvidarlo. Un país que es grande porque es diverso, y es que la diversidad y los inmigrantes de todas partes del mundo lo han hecho el gran país que es hoy.

Recuerdo cuando mi papá me preguntó por qué quería ir a estudiar a Nueva York (nuevayooooll), y le dije que a mi me parecía maravilloso ver gente tan diversa, tantas culturas mezcladas allí, que podías conseguir de todo (en esos tiempos la Harina Pan no estaba en tantas partes ni habían sitios donde vendieran arepas. Pero allí habían mangos, caraotas negras, allí podía escuchar a alguien hablando en chino, otro en francés, aquel en castellano, sin problema).

El melting pot, la diversidad, la mezcla, y no era algo raro, ni mal visto, me parecía (y me sigue pareciendo) algo maravilloso.

Bad Bunny es un artista que empezó embolsando compras en un supermercado y hoy es una de las figuras más grandes del pop mundial. Que no se olvida de sus raíces. Que tiene una fundación para ayudar a la juventud y a la gente de su isla. Que no pide imponerse, sino convivir.

Y quizás eso fue lo que a algunos les molestó.

Estamos en un momento en el que se intenta invisibilizar a grupos completos de personas. Deshumanizar sus aportes, su música, sus colores, su risa. Olvidar que la diversidad no debilita a una nación ni a una cultura: la hace más rica, más compleja, más interesante.

Algunos bailan salsa.
Otros no bailan porque no les gusta o les da pena, y es válido (yo tengo dos pies izquierdos, jajaja).
A algunos les gusta el rock, a otros el merengue. A mi me gusta el rock en español igual que el rock inglés, y me gustan las historias que cuenta Rubén Blades, la melodía de la voz de Guillermo Carrasco, me gusta el jazz y me gusta la música que hacen los que componen los soundtracks de los videojuegos y del animé japonés. Que le vamos a hacer.
A algunos les encanta el picante, a otros la piña en la pizza, y hay quienes se la comen sin detenerse en esos detalles mínimos, porque entienden que no todo tiene que ser una batalla, y si tienes una bala de plata, no la vas a estar gastando todas las mañanas con la nueva excusa que tenga Internet para indignarte hoy.

Para entender lo que pasó en el medio tiempo de este Super Bowl había que mirar un poco más allá del escenario. Y eso, mis queridos amables, es lo que hace el arte cuando funciona: nos obliga a mirar mejor.

El espectáculo se cerró con Debí Tirar Más Fotos, un tema que pega muy distinto cuando eres un inmigrante, cuando tus amigos y tu familia están lejos, cuando hay algunos de los que incluso no te pudiste despedir. A mi me pasa que lo escucho, lo canto y lloro porque recuerdo a mi madre, recuerdo que no me pude despedir de ella por estar lejos. Y pienso en ese mensaje de que se debe amar todo lo que se pueda, se deben aprovechar las oportunidades que se tengan para sentir, para celebrar lo que queremos celebrar sin tener que pedir disculpas.

Fueron apenas 15 minutos, y si, el marketing es una cosa increíble, pero estos momentos nos revelan que cuando la cultura se mezcla e incomoda, nos hace pensar.

Y nos recuerda que solos, definitivamente, no vamos a llegar a ninguna parte.

¿Y los comerciales?

Hoy un amigo me dijo que el solamente se acuerda del Super Bowl cuando yo mando esta entrega del newsletter y le hablo de los comerciales. En el pasado, me recordó un post de alguien en Threads, uno se reunía en las agencias para discutirlos, para enriquecerse con las ideas, y para ver cuáles eran las tendencias.

Venían de un mundo sin Internet comercial, recuerden que los primeros grandes comerciales de culto transmitidos en el Superbowl se hicieron en un momento donde no teníamos redes sociales para ir conversando en tiempo real acerca de lo que estaba pasando (por ejemplo, 1984, el famoso comercial de Apple, apareció 21 años antes de que YouTube existiera).

Siempre hago una selección de los que mas me gustaron, los que mas me llamaron la atención (por la razón que sea, bien sea que me causaron gracia, me parecieron originales, o que son tan malos que son buenos).

Este año no es la excepción, y acá se los comparto:

e.l.f. presenta: MELISA (con Melissa Mc Carthy).

El comercial está diseñado como una mini-telenovela al estilo exagerado y melodramático que muchos reconocen instantáneamente. Es es un ejemplo de cómo el contenido publicitario puede ser culturalmente relevante y divertido a la vez, mezclando referencias latinas clásicas con un evento masivo en Estados Unidos. Me parece interesante la sincronía entre el tono del comercial y las temáticas culturales del Super Bowl de este año.

Good Will Dunkin, how yo doin?

Esto es una colección de clichés de series de los 90’s, y no lo digo como algo negativo: todos tenemos nuestros guilty pleasures. Acá Ben Affleck encabeza un elenco de personajes convertidos en versiones noventosas de un sitcom: desde Jennifer Aniston a Jason Alexander, activa ese recuerdo colectivo de audiencias muy específicas, y creo que funciona.

El Oso de Coca-Cola va al psiquiatra porque se tomó una Pepsi.

Soy Cocacolero, porque me gusta y porque trabajé muchos años para la marca, incluso creando su primera cuenta en Instagram (en el mundo mundial). Pero esta pieza de Pepsi me parece atrevida en el buen sentido, especialmente porque llama a la curiosidad de volver a probar la versión zero de la bebida, y como francotiradores, caen en un momento en el que nadie los esperaba. De paso, hizo que algunos creativos amigos hicieran su versión con el famoso oso de la cerveza Polar.

La historia detrás de cada original, Levi’s es Levi’s.

Bien armado, sin tener que hablar de los genes, con gente de todo tipo, ¡hasta Woody de Toy Story! Levi’s te dice que es la historia detrás de cada original. Boom.

Jurassic Park…works. Xfinity.

Parte del elenco original de Jurassic Park se reune en esta pieza que dura casi como una película (si hablamos de tiempo de publicidad en televisión) para este comercial de una compañía de cable (Xfinity).

Hungry for the Truth, Uber Eats nos habla de que el Superbowl nos da hambre.

Mathew McConaughey persigue a Bradley Cooper para decirle que el Superbowl se trata de comer. Y mira, si.

Instacart te deja escoger tus bananas.

Para darle contrapeso, les comparto este de Instacart, donde Ben Stiller es el hermano menos talentoso del dúo con Benson Boone.

Meal Diamond le canta a Hellmann’s

Andy Samberg es uno de mis comediantes favoritos, y este comercial lo comparto porque me pareció gracioso, aunque sea tonto el juego de palabras de Neil con Meal, me recuerda los videos musicales que el hacía en SNL. Este es un comercial para Hellmann’s y creo que cumple con algo muy importante cuando haces el pago de la fortuna que cuestan 30 segundos en el Super Bowl: que la gente hable al día siguiente de tu marca.

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Para esta primera entrega del año quería hablar de algo que vengo sintiendo desde hace tiempo: la fatiga del ruido constante. La sensación de estar siendo atacados por demasiadas cosas al mismo tiempo, tantas que, paradójicamente, hoy la realidad parece ser el lugar al que escapamos para descansar de las redes sociales y de la desinformación.

Lo analógico lleva un tiempo regresando, y no por nostalgia gratuita. Yo llevo años hablando de eso: comprando discos de pasta, retomando formatos como el walkman, volviendo a los libros físicos (o digitales, pero leídos sin distracciones), a lo artesanal, incluso cuando está hecho con ayuda de la tecnología. No tener que estar conectados todo el tiempo. Creo que ahora ese regreso se siente más fuerte porque estamos saturados de información, de imágenes que no sabemos si son reales o generadas, de dudar constantemente de la verdad y de acostumbrarnos a lo artificial.

En las últimas semanas hice una especie de detox. No exagerado (sigo leyendo, comentando y compartiendo alguna que otra cosa), pero sí más consciente. He cocinado más, leído más, armado Legos, escuchado música, compartido tiempo con la familia. Actividades simples, pero ancladas en el presente. Y mientras hacía eso, pensaba mucho en el valor de la pausa.

En esta entrega hablo de algo distinto al silencio como omisión. Hablo de la pausa. De ese espacio breve que permite ordenar ideas antes de reaccionar. De elegir el momento, el tono y la intención. No de callar frente a la injusticia, sino de no responder desde el ruido, el impulso o la indignación automática. A veces, bajar el volumen no es retirarse, sino prepararse para decir algo que de verdad importe. No hablo del silencio cómodo, ese que favorece al opresor, sino de la pausa consciente que puede ayudarnos a hablar con más claridad, firmeza y sentido.

Y de eso va el texto que sigue.

La fatiga del ruido.

A veces estoy buscando algo en la cocina y no lo encuentro. Abro la misma gaveta tres veces, reviso el mismo estante, miro exactamente donde ya miré. Nada. Entonces le pregunto a mi esposa, y con que me diga “está ahí”, vuelvo a abrir el mismo lugar… y aparece. No porque no estuviera antes, sino porque ahora confío en que está ahí. No sirve que cualquiera me lo diga. Tiene que ser ella. Alguien en quien confío.

Pensaba en eso hace poco, porque creo que dice mucho sobre cómo funcionamos hoy. Vivimos rodeados de voces que hablan todo el tiempo. Opinan, reaccionan, publican, explican. Noticias, redes, marcas, creadores, expertos, desconocidos. No es que falte información, es que sobra ruido. Y no lo digo desde el drama, sino desde el cansancio. Ese cansancio raro de abrir una app, leer tres cosas, cerrarla… y no recordar ninguna.

En medio de todo ese ruido, no escuchamos a todos por igual. Y quizá no deberíamos. No porque algunas voces no valgan la pena, sino porque escuchar de verdad requiere tiempo, atención y cierta calma. No podemos (ni tenemos que) tener una opinión formada sobre todo, todo el tiempo. Que si sabemos de arquitectura no es necesario que sepamos de ingeniería de petróleo, si sabemos de marketing no necesariamente somos también expertos en nutrición (y aun así ves a cualquiera dando su opinión sobre un conflicto geopolítico que no conoce, desde sus prejuicios, o dando información nutricional desde su propio desconocimiento y el famoso “hice mi propia investigación”). A veces el problema no es lo que se dice, sino cómo reaccionamos: con prisa, a la defensiva, o esperando confirmar lo que ya pensábamos. Escuchar con cuidado implica algo más incómodo, pero más sano: aceptar matices, convivir con ideas que no son exactamente de nuestro agrado, y no convertir cada desacuerdo en una ofensa personal.

Esto pasa en la vida diaria, pasa en la cultura, pasa en la tecnología y también pasa con marcas, medios y creadores. Muchas veces confundimos hablar con conectar, presencia con relevancia. Decimos cosas porque sentimos que hay que decir algo, porque el silencio parece un error o una oportunidad perdida. Pero en un mundo tan ruidoso, hablar más no garantiza que alguien te escuche.

Callar no es desaparecer. Callar también es una forma de editar. De elegir el momento, el tono, la intención. De entender que no todo requiere una reacción inmediata ni una opinión pública. A veces, el verdadero valor está en decir menos, pero decirlo mejor. En construir confianza antes que volumen.

Quizá este año no se trate de sumar más voces, más mensajes o más ruido. Quizá se trate de aprender a escuchar mejor, con menos prisa y menos dramatismo. De aceptar que no todo tiene que gustarnos, convencernos o indignarnos. De preguntarnos, con honestidad, si somos para alguien esa voz que hace que abra la misma gaveta una vez más… y por fin encuentre lo que estaba buscando.

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Leer, comer, descansar, compartir con la gente querida que está cerca, conversar con la gente querida que está lejos (sea por teléfono, por sms, email, chat de cualquier sabor), jugar Civilization, armar Legos, escuchar música, ver Die Hard/Duro de Matar el 25, ver el final de Stranger Things, “hacer nada”, sacar de la caja esos creyones que compraste hace tres meses…repetir. Eso es lo que se hace en este espacio misterioso donde el tiempo es elástico, entre el 24 y el 31 de diciembre.

Por nuestra salud mental, es bueno entender que es algo que está bien, que es el espacio de reseteo de nuestra mente…mira, diría que de nuestra alma también. Cada quien tiene su rutina de salud mental para estos días en los que no sabemos si es lunes, jueves, domingo. En la mía se incluye todo eso y cocinar, especialmente todo el confort food de mi vida, y que acá en California no hay en todas las esquinas. Cachitos, golfeados, bombas, pasta seca, pan de jamón, hallacas, churros, empanadas de cazón, “arroz chino venezolano”, ensalada de gallina, pernil y todos los subproductos de ese pernil gigante (arepas de pernil, sandwiches de pernil, y todo lo que se te ocurra con pernil). Eso he estado haciendo, y compartiéndolo con mi familia, así como se que ustedes han estado haciendo con las suyas.

Otra de las cosas que hago porque es un gran gusto y por salud mental, es escribir. Este espacio en particular se ha convertido en un lugar para “disciplinar” mi necesidad de escribir, de compartir lo que escribo, ahora que las redes sociales pasaron a ser solo un medio del “broadcast generation”, un lugar 99% transaccional donde “si no le estás dando like no me importas”, donde se prefiere generar mil discusiones a punta de clickbait, que dos conversaciones de verdad. Tengo la suerte de mantener y seguir descubriendo relaciones de calidad en este mundo digital que nos llena de ruido, pero que a la vez nos permite mantener contacto con otros que quieren leernos, que quieren escucharnos, y uno a ellos.

Esta mañana le decía eso a un amigo, de esos a quienes no conozco personalmente pero que aprecio mucho, que dentro de todo este doomscroling uno va teniendo ganas de desconectarse totalmente, pero lo importante no es irse a ese extremo, sino entender que no hay que estar conectado 24/7 (aunque parezca), y seguir compartiendo, seguir creando, sea lo que sea que estés creando, así sea un dibujo con creyones, una canción, un poema, un libro, una idea, lo que sea.

Es el último mensaje de este año, así que les quería agradecer estar acá, que siguen leyendo esto, que siguen haciéndome saber que leen esto y que les interesa. Parafraseando a Camus, que en medio del caos haya dentro de ustedes una calma invencible, y que no importa lo duro que el mundo empuje en contra, siempre haya dentro de ustedes algo mejor empujando de vuelta.

¡Gracias por leerme en el 2025, nos seguimos leyendo en el 2026!

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La semana pasada escribí sobre dos señales del mismo problema creativo: repetir un truco hasta el cansancio y elegir un color del año que no decía absolutamente nada. Dos síntomas distintos de una misma desconexión: cuando hacemos cosas sin intención, sin propósito, sin recordar por qué empezamos.

Y mientras escribía esa edición, me di cuenta de que había dos historias que quería contar después. Dos historias que, de alguna manera, explican por qué el propósito importa más que cualquier tendencia, color o fórmula.
Una viene del origen mismo de Pantone, cuando el color era un caos y un joven químico decidió que había que inventar un lenguaje para poner orden. La otra viene de Leo Burnett, que entendió que un nombre en la puerta solo vale algo mientras el trabajo mantenga su integridad.

Las dos historias hablan de lo mismo que venimos conversando: del peligro de vaciar lo que hacemos, del riesgo de convertirnos en recipientes sin alma, y de la importancia (ahora más que nunca) de recordar para qué existe cada cosa que hacemos.

Esta entrega es la segunda parte de una conversación sobre creatividad, propósito y sentido, y sobre cómo evitamos que nuestras ideas, nuestros proyectos o nuestras marcas se conviertan en fachadas elegantes sin vida adentro.

El color, la puerta y el propósito

Dos historias sobre cómo olvidamos (y cómo recuperamos) el sentido de lo que hacemos.

Hay semanas en las que dos historias que deberían estar muy lejos una de la otra terminan iluminando el mismo punto. Una viene del mundo del color. La otra, de la publicidad clásica. Una nació en una imprenta pequeña de Nueva Jersey. La otra, en la oficina de uno de los creativos más influyentes del siglo XX.
Y aun así, las dos hablan de lo mismo: qué pasa cuando olvidamos por qué hacemos lo que hacemos.

La primera historia es la de Pantone. Y para entender el momento extraño que vive hoy hay que mirar hacia atrás, a su origen.

Cómo nació el Pantone que conocemos hoy.

A finales de los años 50, la imprenta Pantone Printing era un caos cromático. Cada impresión salía distinta porque no existía una forma universal de comunicarse en color. “Rojo” significaba algo diferente para el diseñador, para el impresor, para el cliente, para la máquina. El color era una opinión.
Hasta que llegó Lawrence Herbert, un joven químico que vio en ese caos un problema… y en el problema, una oportunidad.

En 1963 desarrolló el Pantone Matching System: un catálogo numérico que estandarizaba el color como un lenguaje. De pronto, dos personas en ciudades distintas podían hablar de un “186 C” y saber que estaban hablando exactamente del mismo rojo. Fue una revolución silenciosa, casi humilde: Pantone no nació para ser tendencia; nació para ser claridad. Para resolver una necesidad real. Para que la industria (toda) se entendiera mejor.

Y bueno, algo pasó en el camino.
Este año Pantone eligió como “Color del Año” un blanco. Y no es que el blanco sea un problema en sí mismo (yo lo he usado, lo he defendido, lo he aplicado en museos y proyectos), pero proponer ese blanco como señal del futuro creativo tiene algo de desconcierto.

El blanco puede ser un lienzo, sí. Puede ser silencio, espera, pausa. Hace dos o tres años ese blanco hubiera sido recibido de una forma distinta, y no lo digo solo por decirlo: lo usé hace dos años para proponer otra cosa completamente distinta, en un contexto y un momento completamente distintos al de hoy. Pero este año, en este contexto global, un blanco como declaración de tendencia puede tomarse de una forma equivocada.

Cuando quitar el nombre de la puerta.

La segunda historia viene de Leo Burnett, el publicista detrás de algunas de las imágenes más icónicas del siglo XX. Pero más allá de su habilidad para crear figuras memorables, Burnett tenía una obsesión: el propósito detrás del trabajo creativo.
En un discurso famoso le dijo a su equipo que llegaría un día (siempre posible, siempre latente) en el que la agencia empezaría a bajar la calidad de su trabajo. Un día en el que aceptarían ideas mediocres. En el que harían trabajos sin alma. En el que el negocio se comería a la creatividad.

Y entonces dijo:
“Cuando eso pase, quiero que bajen mi nombre de la puerta.”

No era poesía. Era advertencia.
Un nombre sin propósito no significa nada.
Una puerta con un rótulo vacío es solo un pedazo de vidrio decorado.

Vuelvo a Pantone, y vuelvo al blanco.
Vuelvo al one-trick pony, al truco repetido, a la consistencia mal entendida.
Vuelvo a todas esas veces en las que una marca, una empresa o una persona olvida la razón por la que empezó, y se convierte en un recipiente hueco, en un espacio donde poner un nombre, un logo, un “color del año” sin que nada adentro lo sostenga.

Las dos historias (una de color, otra de creatividad) nos recuerdan lo mismo:
Que cuando perdemos el propósito, perdemos la dirección.
Y cuando perdemos la dirección, empezamos a llenar silencios con superficies.
Elegimos colores sin narrativa.
Pegamos nombres en puertas que ya no representan lo que sucede adentro.
Repetimos un truco creyendo que eso es estilo.

Pero tanto Pantone, como Burnett, como cualquier proyecto que valga la pena, nacieron de algo más profundo: una claridad de intención. Una razón. Un problema que resolver. Una convicción.
Y cuando recordamos ese origen, todo vuelve a alinearse.

Simon Sinek le dice el Why, el por qué hacemos las cosas; Seth Godin habla de significado; Victor Frankl habla de que el hombre busca sentido en lo que hace (y viene de una base filosófica de Nietzche de la que parten tanto Frankl como Sinek); Brene Brown habla de propósito como motor del coraje.

Lo importante no es el color en la portada ni el nombre en la puerta,
sino la intención que los sostiene.

Da incluso para una continuación, la semana que viene.

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Esta semana estuve pensando en dos ideas que, aunque parecen no tener relación, terminan hablando del mismo problema: la creatividad sin intención. Por un lado, el “one-trick pony”, esa tendencia a repetir lo que funciona sin preguntarnos si todavía tiene sentido. Por el otro, la elección del blanco más insípido como color del año de Pantone, una decisión que suena más a silencio que a propuesta.
Y en ambos casos aparece la misma pregunta: ¿qué pasa cuando confundimos neutralidad con consistencia, y repetición con estilo?

De eso va la entrega de hoy: de estilo, de intención, y de lo que pasa cuando elegimos no elegir.

One Trick Pony

“One-trick pony” es una expresión curiosa y un poco graciosa. En teoría, describe a alguien que solo sabe hacer una cosa. Un truco. Una solución. Pero en la práctica la usamos para señalar algo que no siempre es negativo: repetir lo que funciona. Ajustar lo que ya dominamos. Profundizar en lo que nos hace mejores. Eso no es falta de creatividad; muchas veces es exactamente lo contrario. La consistencia no debería confundirse con incapacidad.

El problema real aparece cuando lo repetido no viene del criterio, sino del miedo. Cuando la única razón por la que hacemos algo de la misma forma es porque no sabemos hacerlo de otra (o peor, cuando se copia lo que le funcionó a otro pensando que te va a funcionar a ti una, dos, tres veces…siempre). Lo veo en agencias, lo veo en propuestas creativas, lo veo en personas talentosas que, ante cualquier reto, aplican la misma solución como si fuera un comodín universal. Es el síndrome del martillo: si solo tienes uno, todo parece un clavo. Pero el mundo no está hecho solo de clavos, y mucho menos las ideas.

La innovación rara vez llega como un estallido dramático. La mayoría de las veces ocurre en pequeñas variaciones: mejorar lo que ya funciona, pulir un proceso, cuestionar una estructura, repensar algo que daba resultados pero que podría dar mejores, y es que la humanidad ha avanzado más por refinamiento que por ruptura. Cada mejora incremental es un recordatorio de que el progreso sucede en capas, y de que depender siempre de un mismo truco no solo limita la creatividad, sino que abre la puerta a estancamientos, monopolios de ideas y soluciones que envejecen rápido.

En cambio, cuando hablamos de estilo, de narrativa, de voz creativa, la historia es distinta. Los artistas que admiramos no nos entregan una obra completamente diferente cada vez; nos entregan variaciones de sí mismos. Reinterpretaciones. Expansiones. Un sonido que madura. Un universo que se amplía. Nos gusta reconocerlos, pero también nos gusta verlos crecer. Y esa es la línea exacta entre repetición y evolución: cuando lo familiar no se vuelve predecible, sino cada vez más interesante.

Lo mismo vale para nuestro trabajo. Podemos (y debemos) tener un estilo propio, un lenguaje visual, una forma de pensar. Pero ese estilo no puede convertirse en una cárcel. Cada proyecto, cada presentación, cada idea merece una exploración distinta. Un giro inesperado. Una solución que parta de lo que ya sabemos, pero que no se conforme con lo que ya hicimos. Ahí está la diferencia entre quien crea y quien se repite.

Porque el peligro no es repetir lo que funciona.
El peligro es repetirlo sin pensar.

La invitación, entonces, es simple: no confundas un truco con una identidad. No confundas consistencia con rigidez. Y no confundas una fórmula que te sirvió una vez con una herramienta que sirve para todo. Las soluciones creativas necesitan espacio para respirar, para evolucionar, para sorprender.

Lo que se repite sin conciencia se desgasta.
Lo que se repite con propósito se convierte en estilo.

El color del año que no quiso decir nada

Este año Pantone anunció su color del año y, por primera vez en mucho tiempo, la reacción global fue… silencio. No sorpresa, ni emoción, ni debate. Solo una especie de encogimiento de hombros colectivo: ¿en serio?
El blanco más insípido posible. Un color que ni siquiera se compromete con ser blanco: un blanco tofu, como lo describieron en Fast Company.

Y a ver, no tengo nada en contra del blanco. Es un color que carga con siglos de significados y proyecciones. Los arquitectos lo hemos usado como lienzo, como pausa, como punto de partida. En la facultad de arquitectura escuché mil explicaciones sobre los blancos de algunas obras de Richard Meier: que si representaban la suma de los colores luz, que si reflejaban el contexto, que si buscaban una pureza moderna. Años después leí una entrevista donde él mismo dijo: “simplemente me gusta el blanco”.
A veces el discurso es retroactivo.

Pero el problema no es el blanco. Es lo que significa elegirlo hoy como declaración cultural.
En un año donde la creatividad (y la innovación creativa) son necesarias para recordarnos que seguimos vivos, sensibles, presentes… proponer la neutralidad se siente pobre. Es un gesto extraño, casi desconectado del momento. En un mundo cargado de crisis, tensiones, sobreinformación y cansancio creativo, ¿la respuesta es un blanco diluido? ¿Un “no color” como símbolo de lo que viene?

Lo curioso es que otros sistemas de color se atrevieron. Sugirieron tonos profundos como el Phthalo Green, un verde oscuro elegante, lleno de intención, con un aire a tapicería de sofá Chippendale en un pub inglés. Un color que dice algo, que propone algo.

Pantone, en cambio, eligió el silencio cromático. Y no sé si es una declaración… o una renuncia.

Quizás mi percepción está teñida por experiencias previas. Cuando diseñaba exposiciones en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, con Sofía Ímber, el blanco tenía sentido: era práctico. Pintar paredes con colores fuertes implicaba más presupuesto, más tiempo, más repintes entre exhibiciones. El blanco, con suerte, recibía dos o tres gotas de negro para bajarle el brillo, pero nunca mucho más. Era un fondo que permitía que las obras hablaran.
El blanco funcionaba cuando no pretendía ser protagonista.

Pero proponerlo hoy como tendencia global (sin intención, sin narrativa, sin contexto) es otra cosa. Un color del año debería provocar, inspirar, proponer una dirección. No necesita ser estridente, pero sí tener una opinión. Ser un gesto. Un pulso. Una señal.

Un blanco absoluto, en este momento histórico, se siente más como un vacío que como un comienzo.

El blanco puede ser un comienzo, pero nunca debería ser toda la historia.

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Hay días en que todo parece venir de golpe: una idea, una corazonada, una imagen que no sabes de dónde salió. Y sin embargo, no es magia, es memoria. Lo que llamamos “intuición” es solo la forma más elegante que tiene el cerebro de procesar lo que ya aprendió, lo que vivió, lo que observó sin decirlo en voz alta.

En el artículo de esta semana hablo de eso: de cómo las corazonadas son algoritmos humanos. Y de cómo, a veces, seguirlas nos lleva justo a donde necesitamos estar.

Quizá por eso me gustó tanto The Beast in Me, una serie que explora lo que pasa cuando dejamos que la mente y el instinto peleen por el control. Y también el nuevo episodio de SmartLess con Claire Danes, donde ella habla (con humor y ternura) de su vida fuera de cámara: de cómo la creatividad también nace del caos, la pérdida y la sorpresa.

Tres formas distintas de una misma búsqueda: entendernos mejor.

El algoritmo y la intuición.

Hace unos días, Spotify me recomendó una lista de canciones “hechas para mí”. La escuché un rato y tuve que apagarla: estaba muy bien, pero no me decía nada. Era una mezcla de sonidos que coincidían con mis hábitos, no con mis emociones. En los últimos años, los algoritmos han aprendido a conocernos mejor que nosotros mismos (al menos en teoría), pero entre la predicción y la conexión hay un abismo. Y es justo en ese espacio donde vive la intuición: ese impulso que nos hace tomar decisiones sin evidencia, pero con sentido. El mismo que, en marketing, diseño o arte, nos lleva a probar lo que “no debería funcionar” y termina funcionando.

Vivimos en una época en la que la creatividad parece haber sido reemplazada por la estadística. Todo se mide, todo se optimiza. Sabemos cuál es la hora ideal para publicar, qué colores generan más clics, qué estructura funciona mejor para un reel. Pero cuando todo se guía por datos, el resultado es predecible: un mundo de campañas que se parecen entre sí, de canciones con el mismo beat, de productos que parecen salidos del mismo molde. La paradoja es que mientras los algoritmos buscan eficiencia, los humanos buscamos sorpresa. Y la sorpresa, por definición, no puede predecirse.

Las corazonadas no son magia: son memoria comprimida. La intuición es el resultado de millones de microdecisiones pasadas que nuestro cerebro archiva y combina en segundos. Es información procesada sin que nos demos cuenta, fruto de lo que hemos vivido, leído, visto o sentido. Por eso a veces “sabemos” sin saber por qué. Es la mente reconociendo patrones complejos que los datos aún no pueden cuantificar. En cierto modo, es un algoritmo humano, pero con alma.

El algoritmo puede adivinar lo que te gusta.
La intuición, lo que te mueve.

La intuición no es un capricho: es una forma de inteligencia. Es la síntesis de todo lo que hemos aprendido (de la observación, la experiencia, el error) comprimida en una chispa. Es el momento en el que un diseñador de los ‘80 decide que un computador debe parecer amigable y le pone una sonrisa (hello, Macintosh), o cuando Dieter Rams elimina lo innecesario y deja solo lo esencial. Son gestos que no nacieron de un focus group, sino de una corazonada. En el mundo del gaming, también ocurre: nadie pidió un juego como Minecraft, y sin embargo cambió la historia del entretenimiento.

Eso no significa que debamos ignorar los algoritmos. Al contrario, son herramientas valiosas, la clave está en no entregarles el timón. Los algoritmos pueden ayudarnos a ver patrones, pero la intuición nos permite romperlos. Podemos usar la IA para generar ideas, organizar procesos o inspirarnos (como un copiloto que te ayuda a acelerar), pero la dirección sigue siendo nuestra. En diseño, marketing o arte, el propósito no es que la máquina piense por nosotros, sino con nosotros.

Y es que el algoritmo puede decirnos qué funciona, pero no por qué nos conmueve. Los datos pueden mostrarnos lo que la gente ve, pero no lo que siente. En un mundo que busca predecirlo todo, lo verdaderamente valioso sigue siendo impredecible. Tal vez la próxima gran idea no venga de un dashboard ni de un prompt, sino de ese instante irracional en el que decidimos confiar en lo que sentimos. Y ese, todavía, es un lenguaje que ninguna máquina habla con fluidez.

Para ver: The Beast in Me (Netflix)

Hay series que se disfrutan por lo que cuentan, y otras por cómo lo cuentan. The Beast in Me pertenece a las dos.

Claire Danes (la puedes recordar entre otras cosas por Homeland) interpreta a una escritora que intenta reconstruir su vida tras una pérdida devastadora, pero la historia se tuerce cuando su nuevo vecino (un magnate tan carismático como inquietante, interpretado por Matthew Rhys, a quien recuerdo más por Perry Mason que por The Americans) se convierte en su obsesión. Lo que empieza como curiosidad se transforma en una investigación íntima sobre la verdad, la culpa y los monstruos que todos llevamos dentro (aunque como veremos, algunos más terribles que otros).

Visualmente elegante, emocionalmente incómoda (es decir, te mantiene en el borde del asiento en todos los episodios), es una de esas series que te dejan pensando más en las sombras que en las respuestas.

La encuentras en tu Netflix de confianza ;)

Y si después de verla quieres seguir en esa misma frecuencia…
Escucha el episodio de SmartLess con Claire Danes. Es casi un making-of emocional: entre anécdotas bohemias, confesiones inesperadas y risas cómplices, Danes deja ver la persona detrás de los personajes. Una conversación ligera, íntima y brillante sobre cómo la creatividad (y la vida) rara vez siguen un guion.

Lo puedes escuchar en donde sea que escuches tus podcasts, y en el sitio web de Smartless: Smartless #280, Claire Danes.

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El progreso está en la diferencia

El progreso no siempre es una línea recta. A veces parece un conjunto de intentos, avances, retrocesos y aprendizajes que se van superponiendo. Pero si algo sostiene al mundo que habitamos, es la capacidad de construir entre todos, desde lo distinto.

El mundo es un lugar salvaje, pero también profundamente bello. Salvaje en sus conflictos, pero bello en su diversidad.

Hay lugares que avanzan porque logran mirar esas diferencias, respetarlas y conectar los puntos para progresar gracias a ellas. El mundo en el que vivimos es un mosaico de experimentos: unos fallidos, otros brillantes, y muchos en permanente transformación. Nada es final, todo se está diseñando y ajustando sobre la marcha.

Lo que hoy funciona se adapta mañana; lo que hoy nos separa puede volverse, con tiempo y empatía, lo que nos une. Lo que está mal es mantener lo que no funciona, lo que hace daño a muchos para hacer bien a unos pocos.

El mundo es un lugar hermoso porque en lo diferente encontramos lo común: en el arte que nos emociona aunque no entendamos el idioma, en una puesta de sol que cambia de color según dónde estés, en reconocer lo tuyo en otros lugares y lo de otros lejos de su casa.

Esa conexión (esa mezcla imperfecta pero humana) es lo que hace que valga la pena cuidar y seguir construyendo el mundo que habitamos juntos.

No hay sociedad perfecta ni historia sin errores. Pero nuestras ganas de hacerlo bien, de aprender, de respetar al otro que ve el mundo desde otro ángulo, es lo que nos salva. Por eso creo que el progreso está en la diferencia: porque es ahí donde empieza la posibilidad de un mundo más justo, más humano y más hermoso.

Pluribus: cuando la felicidad se vuelve uniforme

Y justo en esa tensión entre lo diverso y lo uniforme aparece Pluribus, la nueva serie de Vince Gilligan (creador de Breaking Bad y Better Call Saul).

No hay narcos ni laboratorios: hay un virus de origen desconocido que conecta mentalmente a casi toda la humanidad. Todos son felices, plenos, complacientes. Una mente colmena perfecta.

Salvo una persona.

Carol Sturka, interpretada por Rhea Seehorn, es una novelista romántica que (por alguna razón) es inmune. Es una entre once personas en el mundo que sigue sintiendo tristeza, miedo, angustia. En un mundo donde la infelicidad es la enfermedad, ella es de las últimas humanas “defectuosas”. Y su misión, paradójicamente, es salvar al mundo de la felicidad.

La tecnología como colectividad

Pluribus lleva al extremo algo que ya vivimos: la ilusión de conexión total. En redes, en la nube, en las IA que aprenden de todos nosotros. La serie plantea qué pasa cuando esa unión deja de ser herramienta y se convierte en destino; cuando lo colectivo sustituye a lo individual.

La pregunta no es si estamos juntos, sino qué estamos sacrificando para estarlo. Esa uniformidad que promete armonía puede borrar la fricción, y con ella, la posibilidad de pensar distinto.

Carol encarna la incomodidad. Es la nota desafinada en la sinfonía perfecta. Pero esa diferencia (ese desacuerdo con el sistema) es lo que mantiene encendido el motor de lo humano.

Pluribus recuerda que la creatividad no nace de la conformidad, sino del conflicto; no del consenso, sino de la diferencia. Lo que nos hace avanzar como especie no es que todos pensemos igual, sino que existan quienes se atrevan a pensar distinto.

De muchos, uno

El título Pluribus viene del latín “de muchos”. Forma parte del lema clásico E pluribus unum (“de muchos, uno”), que alude a la unión de pueblos y culturas bajo una sola identidad.
La serie da un giro inquietante a esa idea: ¿qué ocurre cuando la unión deja de ser símbolo de diversidad y se convierte en una fusión total? En lugar de “unidad en la diferencia”, lo que queda es la disolución del individuo en una felicidad impuesta.

Detrás del humor negro y el tono de ciencia ficción, Pluribus habla de nosotros: de ese impulso que tenemos por diseñar la vida ideal, eliminar el dolor, automatizar la felicidad. Pero sin tristeza, sin contraste, sin caos, ¿queda algo que nos haga realmente humanos?

Tal vez no se trata de “arreglar” el mundo, sino de aprender a convivir con su imperfección. De celebrar lo que no encaja.

Pluribus nos muestra lo que pasa cuando la comodidad reemplaza a la curiosidad, y cuando la conexión sustituye a la conversación.

La belleza (como la civilización misma) está en esa mezcla imperfecta pero humana que seguimos construyendo juntos.
Porque, al final, el progreso sigue estando en la diferencia.

Este newsletter (y ahora su podcast) se sostiene básicamente con café y música, con los comentarios que me envían cada vez que algo de lo que escribo resuena con ustedes, y con sus subscripciones, gratuitas o de pago.

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Hay días en los que sentimos que nos falta algo para crear: más tiempo, más recursos, más inspiración… más algo. Pero la creatividad, la de verdad, casi nunca aparece con la mesa servida. A veces está escondida entre las cosas que ya tenemos a la mano: en una nevera, en un proyecto, en una conversación, en un recuerdo medio olvidado.

Lo que diferencia a quien crea de quien solo observa no es la cantidad de piezas que tiene, sino cómo decide conectarlas.

Esta edición va de eso: del pensamiento combinatorio. De ver posibilidades donde otros ven objetos sueltos. De cómo una lechuga, un aguacate, Shakira, Nelson Mandela y Twitter pueden terminar trabajando juntos en una campaña global para la Copa Mundial de la FIFA. Y de cómo los podcasts, que nacieron como audio puro, ahora también se mezclan con pantallas, clips y comunidad para transformarse en algo nuevo.

Hoy la invitación es simple: abre la nevera de tus ideas. Mira lo que hay adentro. Quizás no falte nada. Quizás solo haga falta conectar.

Pensamiento combinatorio: Ver conexiones donde otros ven cosas sueltas

A veces abro la nevera o la alacena y no busco una receta: busco una idea. Miro lo que hay (una lechuga, un aguacate, algo de queso, ¡wasabi!) y mi cerebro empieza a jugar. No pienso tanto en lo que falta, sino en lo que puede pasar si mezclo lo que ya tengo. En minutos, aparece una receta nueva o una versión improvisada de otra. Y casi siempre funciona.

Con el tiempo entendí que eso no solo me pasa en la cocina. Pasa en el trabajo, en los proyectos, en la vida. Hay gente que ve piezas sueltas (personas, materiales, tareas) y otra que ve posibles combinaciones. Lo segundo no es magia, es pensamiento combinatorio: la habilidad de conectar elementos que no estaban pensados para funcionar juntos, pero que al hacerlo generan algo nuevo, útil y hasta hermoso.

Steve Jobs decía que la creatividad es “simplemente conectar cosas”. Pero conectar bien implica algo más: ver los sistemas, los patrones, las posibilidades. Es un tipo de intuición que mezcla memoria, experiencia y curiosidad. No se trata de inventar desde cero, sino de reconocer que las piezas ya están ahí, esperando ser mezcladas.

🌍 Un ejemplo real: cuando el trofeo habló

Hace unos años, cuando Twitter era todavía una novedad, me invitaron a una reunión con un cliente misterioso. Entré con un amigo sin saber que nos estábamos sentando frente a Coca-Cola. Sobre la mesa: la campaña del Trophy Tour de la Copa Mundial de la FIFA 2010.

Podían simplemente llevar el trofeo desde donde estaba al país anfitrión. Pero no: Coca-Cola lo hacía viajar por el mundo para que más personas vivieran el encanto del fútbol, con embajadores, jugadores y celebridades. Y yo, sentado allí, escuchando el brief… tenía que proponer algo en ese mismo momento para ese “nuevo medio” que eran las redes sociales.

Era 2010. Twitter era terreno salvaje. Monetización cero. Reglas: ninguna. Pero yo ya estaba jugando con una idea: darle vida a las cosas. Hacer que una ciudad tuiteara como si respirara. Que un evento contara lo que estaba pasando, en tiempo real.

Así que lo dije sin pensar demasiado:

¿Y si el trofeo hablara?
¿Si contara su propio viaje?
¿Si comentara lo que veía, la comida que probaba, quién lo recibía?

Sudáfrica era sede del torneo. Nelson Mandela sería el gran anfitrión. La canción oficial era de Shakira. Y en la inauguración estaría Juanes, a quien alguna vez había conocido en Miami gracias a Nokia y con quien a veces intercambiaba DMs.

Todo eso estaba ya en mi cabeza, archivado en distintos “cajones mentales”. Solo con pensamiento combinatorio se conectó en segundos para construir algo nuevo:
-Un objeto con voz
-Una campaña global
-Una historia humana contada desde un símbolo

Y funcionó. Porque las ideas más poderosas suelen ser las que usan piezas que ya estaban ahí, esperando que alguien las ponga juntas.

La creatividad no es llenar vacíos, sino reordenar el caos.
Y si tu cerebro puede hacerlo con lo que hay en la nevera, probablemente también puede hacerlo con una campaña, con una estrategia, con una vida entera.

Lo importante es esto:

no falta nada, lo que falta es conectar.

Ahora me voy a la cocina, que esta mañana vi un aguacate que me dió varias ideas.

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Para leer y escuchar: ¡Podcastea!

El mundo del podcast está en plena reinvención. Amazon decidió reducir su inversión justo cuando Spotify despidió al 5% de su equipo de audio y Audacy cerró Pineapple Street Studios, una de las productoras más influyentes de la última década. Lo curioso es que, mientras las plataformas tradicionales reculan, el gran ganador es YouTube.

Según un estudio de Cumulus Media y Signal Hill Insights, el 39% de los oyentes semanales de podcast usa YouTube como su plataforma principal, más del doble que en 2019. Y lo más revelador: casi tres cuartas partes de ellos ven los podcasts en lugar de solo escucharlos.

El formato se está transformando de la misma manera que lo hizo la televisión: de un medio lineal a uno visual, interactivo y comunitario. YouTube entendió antes que nadie que la conversación no necesita escenario, solo conexión. El podcast, que nació como audio puro, ahora se multiplica en pantallas, clips, comentarios y shorts que viven su propia vida en el algoritmo.

Tal vez el futuro del podcast no sea solo escuchar, sino verte pensar, sentir y conversar. En el fondo, la misma idea de siempre: mezclar lo que ya existe para crear algo nuevo.

(La imagen es de Chartr, y los datos de Cumulus Podcast Network, SignalHill Insights y Apple Podcasts).

Para seguir conectando puntos

Playlist: 5 de la mañana: canciones para cuando el mundo todavía está en silencio y las ideas se ordenan solas: Apple Music - Spotify
Serie: Abstract: The Art of Design (Netflix): el episodio de Paula Scher es una clase magistral sobre cómo convertir la intuición en estructura. (Acá abajo se los dejo completo, cortesía del canal en YouTube de Netflix).

REMIX Store: nuevos hoodies y t-shirts inspirados en el concepto de ver conexiones donde otros ven piezas sueltas. (entra aquí)

A veces no se trata de crear más, sino de mirar distinto.
Si algo de esta edición te hizo conectar ideas, compártela con alguien que siempre ve las piezas sueltas.

¡Tal vez descubran algo juntos!

Y siquieres apoyar este proyecto, puedes hacerlo aquí en Substack, en Patreón y hasta en mi tienda comprando el merch exclusivo que diseñamos.

— Guillermo

Compartir El Modulor, por Guillermo Amador

Vivimos rodeados de tecnología nueva, pero nuestra creatividad sigue mirando hacia atrás.
No es casualidad: la nostalgia se ha convertido en combustible creativo. En esta edición quiero hablar de cómo mirar al pasado (cámaras digitales, consolas, tipografías retro) no es retroceder, sino encontrar nuevas formas de avanzar.

La nostalgia como motor creativo

Vivimos rodeados de tecnología que promete innovación constante, pero algo curioso está ocurriendo: cada vez más jóvenes están mirando hacia atrás y rescatando gadgets, estéticas y experiencias del pasado con una mezcla de ironía, afecto y búsqueda de autenticidad. Cámaras digitales de los 2000, consolas antiguas, teléfonos plegables, jeans anchos y tipografías pixeladas están reapareciendo, no como reliquias, sino como herramientas de expresión.

La nostalgia dejó de ser un ejercicio melancólico para convertirse en una forma de reinterpretar el presente. Las nuevas generaciones no vivieron el VHS ni los disquetes, pero los usan como símbolos visuales de una época más simple, menos saturada. En TikTok abundan los filtros que imitan cámaras Sony Cybershot, y los reels con estética lo-fi o “home video” superan millones de reproducciones. No es solo estética: es un lenguaje emocional que dice “esto soy yo, pero sin el filtro de perfección que impone el presente.”

Las marcas, por supuesto, lo entendieron rápido. Sony relanzó sus Walkman en versión digital, Polaroid recuperó su fábrica original en Holanda, Nintendo vende nostalgia en cada reedición de sus consolas clásicas, y LEGO recrea sets de los 80 y 90 dirigidos a adultos que crecieron con ellos. No están vendiendo productos, sino recuerdos editados con la precisión del marketing experiencial: un pasado que puedes tocar, pero sin el polvo.

La nostalgia también conecta con la idea de memoria digital y analógica, algo que he explorado antes en esta newsletter. El retorno de lo retro no es una resistencia a la tecnología, sino una manera de domesticarla. En un mundo donde todo es efímero, el pasado ofrece estabilidad. Sacar una foto con una cámara digital de hace veinte años no es solo estética: es una microrebeldía frente a la inmediatez. Es darle valor al proceso, a la espera, al clic imperfecto.

En el fondo, lo que nos mueve no es la nostalgia en sí, sino la búsqueda de conexión emocional. Las marcas que entienden esto no se limitan a revivir un logo viejo o un jingle, sino que reactivan sensaciones: la textura de un botón, el sonido de un cassette, la emoción de abrir un empaque que te recuerda algo que creías olvidado. Lo retro funciona cuando no se queda en la imitación, sino cuando despierta memoria.

Tal vez la nostalgia no sea mirar atrás, sino recordar hacia adelante: usar el pasado como combustible para imaginar lo que sigue. Entre tanto scroll infinito, reencontrarnos con la imperfección puede ser el acto más moderno que nos queda.

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Bloques, ideas y corazón ;)

Lo bonito de una edición limitada es que no solo compras una prenda: te llevas una historia, una señal de pertenencia.
El Corazón de LEGO es el diseño más querido de la tienda: hecho en California, con líneas simples y significado profundo.
Cada pieza celebra lo que nos une: la idea de que la creatividad también se construye bloque a bloque.

Si usas el código MODULOR, además tienes un 10% de descuento.

Para ver: Animal (en Netflix)

¿Te imaginas un Dr. House… pero para animales? Eso es Animal, la serie española que acaba de aterrizar en Netflix. El protagonista, Antón, es un veterinario rural gallego que ve cómo su mundo se desmorona cuando sus clientes ya no pueden pagarle con dinero…y termina aceptando un trabajo en una boutique de mascotas moderna dirigida por su sobrina.

Lo fascinante es que no estamos ante un héroe televisivo tradicional: Antón es gruñón, honesto, incómodo en su nueva realidad. El contraste entre su mundo rural (tratar vacas, ovejas, animales de granja) y ese mundo de mascotas urbanas lo coloca una y otra vez fuera de su zona de confort.

En Animal cada episodio funciona como un microcaso: hay una mascota con un problema, pero también hay dueños con conflictos, expectativas absurdas, valores enfrentados. El veterinario termina asumiendo rol de psicólogo humano, no solo clínico animal.

Además, la serie tiene una carga simbólica: habla del choque entre lo rural y lo urbano, del valor del trabajo “invisible” que no se ve (y que muchas veces no se paga como merece). En ese sentido, conecta con lo que venimos explorando: la tecnología y el diseño que operan desde lo lateral, sin pedir protagonismo pero sosteniendo las cosas.

Si te gustan las historias donde lo humano late entre lo cotidiano, donde los conflictos ni son épicos ni triviales sino creíbles, esta serie es una gran joya para cerrar la edición.

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Hoy finalmente les comparto el primer episodio de REMIX, algo así como la versión en audio de lo que leen acá.

REMIX, Episodio 1: un logo sonoro.

En esta ocasión se me ocurrió hablarles de algo que tiene más sentido cuando lo escuchamos, porque tiene que ver con el sonido. Por ejemplo con ese “tu-dum” que escuchamos cuando “entramos” a Netflix, o ese sonido al final de un ciclo en una secadora de ropa Samsung. Un logo sonoro, la firma musical de una marca.

Es igual que un logotipo visual, pero en formato de audio.
Funciona porque el sonido conecta directo con nuestra memoria y con nuestras emociones.

Los expertos dicen que un buen logo sonoro dura alrededor de tres segundos.
¿Por qué? Porque en ese tiempo se activa como un “clic” emocional y se queda en la memoria de forma subconsciente.
Si es más largo, ya no es un logo sonoro: se convierte en una canción o en un jingle, y la experiencia sensorial cambia. Un jingle se canta y se recuerda por repetición; un logo sonoro se reconoce al instante, como un reflejo.

Cuéntame cuál es el logo sonoro que más recuerdas, dime que te pareció el episodio, o compártelo con alguien a quien le pueda parecer interesante.

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Hoy quiero hablarte de lo que no se nota. De esos detalles que, cuando están bien diseñados, desaparecen… y justamente por eso funcionan. Porque lo invisible, en diseño y en tecnología, es comparable con la magia.

Lo dijo Arthur C. Clarke con gran claridad:

“Any sufficiently advanced technology is indistinguishable from magic.”

Y Douglas Adams, con su ironía característica, nos recordó que:

“Technology is a word that describes something that doesn’t work yet.”

Entre la magia y la frustración, el verdadero triunfo está en lo invisible: en ese momento en que la tecnología deja de ser algo pesado que llevamos en los hombros y nos hace perder tiempo, y simplemente funciona.

Diseño invisible: cuando la mejor tecnología desaparece

Hay productos que nos enamoran por cómo lucen, pero hay otros que triunfan precisamente porque no se notan. El verdadero logro de la tecnología —y del diseño en general— es volverse transparente: estar ahí para servirnos, sin interponerse. Piénsalo: el WiFi es vital en nuestras vidas, pero solo recordamos que existe cuando falla.

Lo mismo pasa con los efectos especiales en el cine. Los buenos son los que no se notan. Cuando se notan, el espectador se desconecta: de repente estamos pensando en el tiburón de cartón que no da miedo, o en los hilos que cuelgan torpemente desde arriba. En cambio, cuando la ilusión está bien lograda, ni siquiera pensamos en ella: solo estamos dentro de la historia.

Me recuerda a un proyecto que diseñé para un cliente hace años. Era un espacio muy grande, pero tenía un reto: varias columnas atravesaban el medio del salón. En mi diseño las escondí tanto, que cuando mostré el plano y el render, el cliente me dijo que el plano “tenía un error”, que “faltaban las columnas”. Con un lápiz grueso marqué con una X dónde estaba cada una y le expliqué que en el cine los buenos efectos especiales son los que no se notan. Igual pasa en el diseño, y en la tecnología: cuando algo está bien resuelto, desaparece de la vista, pero sigue cumpliendo su función.

Ese es el verdadero poder del diseño invisible: reducir fricción y devolvernos humanidad. El iPod no fue solo un objeto de deseo por su carcasa blanca y su rueda táctil, sino porque eliminó la molestia de cargar con discos. Spotify no se vende como un algoritmo, sino como la posibilidad de escuchar cualquier canción, en cualquier momento. La tecnología es un copiloto que se queda en silencio mientras nos ayuda a llegar más lejos.

Hoy la inteligencia artificial corre el mismo riesgo que tuvo la realidad virtual: obsesionarse con el “wow factor”. Pero lo verdaderamente poderoso no es mostrar que existe, sino integrarse hasta volverse invisible. Una AI que corrige errores de escritura sin que lo notemos, que ajusta la iluminación de una videollamada, o que alarga la batería de un dispositivo trabajando en segundo plano. El futuro de la AI está en ser copiloto, no protagonista.

Y aquí surge el gran reto para el marketing: ¿cómo comunicar lo invisible? Apple lleva años resolviendo esa ecuación con un mensaje simple: “It just works”. Google, en cambio, presume que su cámara hace magia con un clic, aunque detrás haya un sistema complejo de procesamiento de imágenes. Lo invisible se vuelve aspiracional cuando se traduce en beneficios humanos: más tiempo, menos frustración, más creatividad.

Quizá el mejor cumplido que puede recibir una tecnología, un diseño o un efecto especial no es “qué increíble se ve”, sino “ni me di cuenta de que estaba ahí, pero me ayudó”. Ese es el nuevo horizonte: hacernos sentir más humanos, no más técnicos.

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Noticias de la tecnología que no se ve:

1. Invisible Tech: las innovaciones digitales que no notamos pero que ya son imprescindibles
   Leer en Technology.org

2. Invisible Technologies recauda 100 millones de dólares para impulsar infraestructura de IA
   Leer en BusinessWire

3. Jony Ive y OpenAI preparan un dispositivo de IA que “no se note”
   Leer en Wired

4. El regreso de la tecnología retro: iPods, Razr y el low-tech como nueva estética
   Leer en Vogue Business

Merch que si se ve, en la tienda de REMIX.

Lo bonito de una edición limitada es que no solo compras una prenda: te llevas una historia, una señal de pertenencia. Corazón de Lego es el diseño más querido de la tienda, hecho en California y en edición limitada.

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Para ver: Mademoiselle Holmes

Para cerrar esta edición, te recomiendo la serie francesa Mademoiselle Holmes.

La historia sigue a Charlie Holmes, una policía tímida que descubre que hereda capacidades deductivas extraordinarias como descendiente de Sherlock Holmes. Lo fascinante es que la serie construye el misterio sin exagerar con artificios: apuesta por la sutileza, los silencios y las pistas escondidas.

Todo muy alineado con el tema de esta edición: lo invisible que transforma sin imponerse. Si te gustan las historias donde lo que no se ve es igual de importante que lo que se muestra, esta serie puede ser tu próximo maratón.

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Gracias por leer, por compartir y por ser parte de esto.

En marzo les compartí un texto donde hablaba de que nuestra humanidad está ligada a la de los demás, la mía a la tuya, y que solo juntos podemos ser humanos. Es un tema al que vuelvo con frecuencia porque la historia nos ha enseñado que los derechos, la civilización y la libertad solo existen si existen para todos; lo que le pasa a una persona nos afecta a todos, de una u otra manera.

Les hablaba de algo tan sencillo y de todos los días como saludar a la gente en la calle, en el trabajo, y de un artículo que mi amigo Juan Carlos Jiménez había compartido conmigo donde, entre otras cosas, estaba esta cita de Desmond Tutu:

“Una persona es humana a través de otras personas. Mi humanidad está ligada a la tuya, porque solo juntos podemos ser humanos”.

Hablaba de que no pudiera hablar como humano, ni caminar como humano, ni pensar como ser humano sin otras personas, porque todo eso lo aprendió de otros seres humanos. Necesitas de otros seres humanos para ser humano.

Allí mismo aparecía una refer…

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La creatividad aparece en los lugares más inesperados: en un sketch de John Cleese, en una conversación vieja que vuelve a florecer, en un álbum que mezcla música y cine, o incluso en una camiseta de edición limitada que se convierte en una declaración personal. En esta entrega quiero compartirte dos cosas: un artículo sobre cómo Cleese entiende la creatividad, una reflexión sobre el rizoma y las conexiones invisibles que nos unen, (y bueno, una tercera, una invitación a explorar mi tienda con productos pensados como piezas únicas para quienes disfrutan lo distinto).

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Esta semana me quedé pensando en cómo muchas veces nos sentimos obligados a justificar lo que disfrutamos. Que si la música que oímos no es lo bastante “cool”, que si la comida no es gourmet, que si la serie que vemos no es la del momento. La verdad es que el disfrute no necesita excusas: lo que nos gusta habla de nosotros, de nuestra historia, de nuestros recuerdos.

Por eso en esta entrega encontrarás una reflexión sobre los llamados guilty pleasures, una nota curiosa sobre la pizza hawaiana (que ni siquiera nació en Hawái), una recomendación de stand-up con Marc Maron, y de paso te invito a ver lo nuevo en mi tienda. Todo mezclado, como debe ser (porque todo es un REMIX).

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Esta semana sigo dándole vueltas a esa intersección que tanto me fascina: la tecnología que nos ayuda si sabemos usarla (o nos complica si nos dejamos distraer) y la cultura pop, que para mí es ese momento en el que estamos haciendo historia… aunque todavía no lo sepamos.

Una conversación que escucho con frecuencia es la de que hoy todo el mundo quiere ser influencer o famoso, pero pocos están dispuestos a dar primero el valor que se necesita para que otros te sigan, te escuchen y validen tus ideas y posturas… más allá de comprar un helado de pistacho solo porque está de moda.

No entré en lo complejo que resulta analizar por qué a veces es más fácil apoyar a desconocidos (o a gente que no nos aporta nada) que a quienes tenemos cerca y nos dan valor real, pero eso quedará para una próxima entrega.

Como todas las semanas, les dejo también el enlace a mi playlist Las Cinco de la Mañana: cinco temas nuevos para arrancar el día cada lunes. Lo abres, le das play… y listo.

Gracias por leer, por …

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El título de esta semana es algo que dijo Héctor Lavoe:
“Es chévere ser grande, pero es más grande ser chévere.”
Porque más que tener éxito o fama, la calidad humana sigue estando por encima de todo.
Y me pareció perfecto para encabezar esta entrega, en la que traigo dos artículos que, aunque parecen distintos, tienen algo en común: la importancia de la autenticidad y de entender que las palabras importan.

El primero habla sobre el manejo de crisis en redes sociales, con un caso reciente que me pareció brillante (spoiler: incluye a Gwyneth Paltrow). Tocamos tres conceptos clave que toda marca, empresa o creador debería tener claros: preparación, reputación y comunidad.

El segundo es más personal: me dejó con una sonrisa conocer Venezolario, una app que celebra el vocabulario venezolano, un juego en forma de glosario. Me hizo pensar en cómo, a pesar de estar lejos, seguimos usando palabras que nos conectan con lo que somos y con lo que llevamos dentro.

Y como cada lunes, cierro con mi playli…

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Esta semana va a estar cargada de información, de reflexiones de esas que tratan de llevar cualquier cosa a una lista en LinkedIn, que generan muchos memes (que no les digo que no son super creativos) y aunque a veces es inevitable sumarse al ruido (y no se si hasta sano puede llegar a ser para soltar la presión), en esta entrega te comparto historias que me dejaron pensando, sonriendo, y con ideas para construir, así sea un set de Lego.

Una reflexión sobre la creatividad como estructura lúdica (Creatividad en bloque),
una noche inolvidable con Juanes en el Hollywood Bowl, y el descubrimiento de La LOM, una banda que suena a Latinoamérica tocada con alma angelina.

Le añado como siempre un espacio publicitario de exhibición de las cosas que hacemos en nuestro estudio creativo, y Las Cinco de la Mañana en formato playlist, para que los acompañen cinco canciones para comenzar el día.

Pasen y lean. Y si algo les gusta, compártanlo. Así también construimos comunidad.

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Zero Click Marketing: lo esencial es la influencia real.

¿Te has dado cuenta de que cada vez haces menos clicks?
Buscas algo en Google y la respuesta aparece ahí mismo, sin entrar a ninguna página. Preguntas en ChatGPT o en cualquier IA y te da el resumen, el top 5, o el tutorial directamente, sin que tengas que “visitar” el sitio que originalmente lo publicó. Ves un producto en Instagram y decides comprarlo solo porque lo viste en el reel de alguien que ni siquiera te estaba vendiendo nada, pero su vida, su cuarto, su forma de hablar, te convencieron.

Bienvenido al mundo del zero click marketing, un término que suena técnico (bueno, ES técnico) pero que básicamente significa que las decisiones se toman antes de llegar a donde se suponía que debías llegar. Es el marketing sin el “viaje clásico del usuario”, sin el click que tanto obsesionó a toda una generación de marketers.

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Hace años, cuando estudiaba arquitectura, escribí uno de mis primeros ensayos describiendo algo que quizás no suele aparecer en los planos ni en los cálculos estructurales: los olores, los sabores, las luces, los sonidos de la ciudad. Hablaba del aroma del pan recién horneado, del sabor del mazapán, del juego de las sombras y la luz cuando se camina bajo una hilera de palmeras, (o de hermosos chaguaramos, como me decía mi profesora Cristina Von der Heide), del ruido de las calles, de sentarse simplemente a observar lo que hacen las personas que pasan.

Recordar eso me lleva a la frase que solía repetirnos el arquitecto William Niño, uno de mis profesores: “Nunca pierdan la capacidad de asombro.” Él contaba cómo cada mañana, al amanecer, regaba las plantas de su balcón (en un edificio diseñado por Jimmy Alcock, montado en una colina con una vista generosa del verde valle de Caracas) y se maravillaba una y otra vez del olor de la tierra mojada, del silencio inusual antes de que la ciudad …

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